Qu'est-ce qui fait la valeur d'une œuvre ?

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Compte rendu du webinaire du 30 mai 2024, animé par Pierre-Benoit Roux, cofondateur de La Condamine.

Comment valoriser son travail, et comment la valeur se crée-t-elle ? C'est peut-être la question essentielle d'une trajectoire d'artiste. Et la valeur d'une œuvre n'est pas seulement son prix : le prix vient presque après.

Le Panier de fraises des bois de Chardin le montre à deux titres. Au XVIIIe siècle, Chardin a très tôt compris comment on valorise ses œuvres. Ses tableaux étaient à la mode : on voulait son Chardin, et plusieurs amateurs voulaient le même. Il en peignait donc des versions presque identiques. Le désir des uns nourrit celui des autres : c'est un désir mimétique, et quand plusieurs personnes veulent le même tableau, sa valeur perçue monte. En même temps, Chardin signait ses toiles : la signature singularise l'œuvre, l'authentifie, la rattache à un auteur unique. Toute la complexité de la valeur est déjà là : une œuvre unique et signée, qui doit pourtant concentrer un désir collectif.

Ce tableau dit encore autre chose. Adjugé 24,4 millions d'euros chez Artcurial, à Paris, le 23 mars 2022, il s'est vu refuser le certificat d'exportation : reconnu trésor national, il ne pouvait quitter la France pendant trente mois, le temps de réunir les fonds pour l'acquérir (code du patrimoine, art. L111-6). Le Louvre l'a acheté, grâce notamment à une souscription qui a réuni quelque 10 000 donateurs. Une œuvre n'est pas qu'un produit : quelque chose en elle n'a pas de prix.

Un champ et ses règles du jeu

Plutôt que de marché, mieux vaut parler de champ artistique, au sens du sociologue Pierre Bourdieu (Les Règles de l'art, 1992) : une aire de jeu où des agents (artistes, galeristes, État, fabricants de matériel…) partagent une croyance dans l'intérêt du jeu, l'illusio, faite de règles qui font consensus. Au XIXe siècle, la règle du champ artistique devient l'art pour l'art : une œuvre n'est vraiment une œuvre que détachée des contingences du marché, à l'exact inverse du champ économique, où les affaires sont les affaires. Comprendre ces règles, c'est pouvoir vous positionner.

Qu'est-ce que la valeur ? L'intérêt qu'une personne porte à un bien, au terme d'une évaluation psychologique. Elle est subjective, naît d'un désir ou d'un besoin, et se forme autrement que le prix.

D'où la double valeur de l'œuvre : une valeur artistique, que le prix ne définit pas, et une valeur marchande, le prix, qui permet l'échange. Certaines œuvres ont une forte valeur artistique et ne se vendent pas. Les deux valeurs peuvent être liées, sans être proportionnelles. C'est pourquoi, en France, un artiste qui vend beaucoup et très vite éveille souvent le soupçon d'être « commercial », quand un autre, qui ne vend pas, passe pour un vrai artiste.

Cette séparation a une histoire. Fondée en 1648, l'Académie royale de peinture et de sculpture veut faire de la peinture un art libéral, affranchi des corporations ; elle distingue ses membres (Chardin y est reçu en 1728) par ses prix et ses honneurs, à l'écart du marché des ventes aux enchères qui se développe au XVIIIe siècle, avec sa clientèle bourgeoise sensible aux modes. Le poids de l'institution est resté très présent en France : pour construire votre valeur artistique, les résidences et les expositions dans des lieux non marchands comptent beaucoup.

Désigner, puis reconnaître

Pour estimer la valeur d'une œuvre, encore faut-il la désigner comme œuvre. Premier critère, discret, sans degré : la définition juridique et administrative. Elle influence les acheteurs : une œuvre est originale, unique ou tirée en nombre limité, et non utilitaire. Pour le fisc, une photographie n'est une œuvre d'art que signée, numérotée et tirée à trente exemplaires au plus, tous formats et supports confondus (code général des impôts, annexe III, art. 98 A, à jour au 4 octobre 2026). C'est une convention, avec laquelle on peut jouer ; mais ce qui n'y entre pas ne fonctionne pas tout à fait de la même façon.

Viennent ensuite les critères de degré : la reconnaissance. Le champ se divise en milieux (gravure, sculpture, art ornemental et décoratif…), chacun avec ses instances de légitimation. Dans l'art contemporain, exposer dans un grand centre d'art apporte une forte légitimité, quelle que soit la rémunération. Mais ce qui fait autorité dans un monde de l'art peut rester sans effet dans un autre : un graveur très connu, à la technique aboutie, peut n'avoir aucune reconnaissance dans l'art contemporain. Identifiez votre milieu, et les instances qui y valident la valeur artistique (voir Construire sa trajectoire professionnelle).

Singularité et rareté

Le régime de singularité. Au Moyen Âge, une corporation jugeait un ouvrage selon des règles de réalisation partagées. Du XVIIIe au XXe siècle, l'originalité de l'artiste devient ce qui fait la valeur de l'œuvre. La sociologue Nathalie Heinich oppose ainsi un régime de communauté et un régime de singularité, qui est le nôtre (L'Élite artiste, 2005). Le temps passé ou les matériaux précieux ne sont donc pas l'argument artistique premier : c'est la présence de l'auteur dans l'objet, sa signature, sa démarche. D'où le soupçon envers le succès commercial trop rapide : plaire au plus grand nombre passerait pour un manque d'originalité. Écrivez régulièrement sur votre démarche, et faites écrire d'autres sur vos œuvres (voir Construire sa démarche artistique). Et mettez cette singularité en scène à la vente : joignez à chaque œuvre vendue, même pour un petit montant (le webinaire parlait de 250 € environ, en 2024), un beau certificat d'authenticité.

La rareté. Dans l'art, la rareté est souvent associée à la désirabilité. L'économiste Léon Walras (Éléments d'économie politique pure, 1874) appelle richesse sociale l'ensemble des choses, matérielles ou immatérielles, qui sont rares, c'est-à-dire à la fois utiles et limitées en quantité. Jouez sur votre production : des séries déclinées en nombre, et des œuvres dont vous soulignez la rareté. Numérotez vos tirages, limitez les éditions de vos sculptures, rehaussez une estampe (une signature, une touche d'or), racontez l'histoire d'une pièce unique. Et définissez votre invendable : une œuvre inaccessible cristallise le désir, comme l'or ou le diamant, et fait circuler, par des estampes ou des livres, l'image d'une œuvre rare. C'est la logique de gamme du peintre Olivier Masmonteil, présentée dans Produits dérivés.

La matière et le regard de l'acheteur

Jusqu'ici, la valeur venait du contexte. Mais la valeur est dans l'œil de celui qui regarde, et certains acheteurs sont sensibles à une valeur intrinsèque, comme si l'œuvre valait par elle-même : coût de production, temps passé, matière, taille. Elle s'oppose à la valeur extrinsèque, que donne le contexte. Devant un masque en or, on perçoit une valeur parce qu'il y a de l'or. Ce n'est pas le prix de vente, mais cela joue sur la perception : une galerie en ligne fait monter le prix des photographies avec le format, comme si elles contenaient plus de matière.

L'idée que la valeur tient au temps passé et aux matériaux n'est plus d'actualité, mais nous en avons hérité. Au XVe siècle, le commanditaire fixait au peintre le sujet, mais aussi l'or et le bleu d'outremer, tiré du lapis-lazuli, et l'endroit où les poser : selon ses moyens, il se payait plus ou moins de bleu. Le webinaire montrait le Couronnement de la Vierge de Fra Angelico ; l'historien de l'art Michael Baxandall a étudié ces contrats (L'Œil du Quattrocento ; voir Trouver des sources de financement). Celui que signe Domenico Ghirlandaio en 1485 pour l'Adoration des mages de l'hôpital des Innocents, à Florence, exige un outremer d'environ quatre florins l'once.

Ces matières sont source de prestige : on parle d'effet Veblen quand l'achat relève de la distinction sociale (voir Produits dérivés). Travailler la poudre d'or peut être une stratégie tout à fait légitime ; le webinaire constatait même qu'une œuvre où il y a du doré se vend souvent mieux. D'où un conseil : identifiez les critères de valeur de vos acheteurs. Sont-ils sensibles à votre démarche et à votre signature ? Au temps passé, devant une technique minutieuse, comme souvent dans l'artisanat d'art ? Aux matériaux ?

Faire circuler l'œuvre et son image

Une œuvre est une œuvre parce qu'elle est publiée, c'est-à-dire montrée : on douterait d'un artiste qui ne montrerait jamais son travail. La circulation des œuvres, et de leur image, les fait connaître. Ce n'est pas né avec Instagram. La Pourvoyeuse de Chardin existe en au moins trois versions peintes, à Ottawa, à Berlin et au Louvre, et Chardin en faisait aussi graver, l'équivalent de nos reproductions, vendues elles aussi. Organiser la circulation de l'image de vos œuvres participe à la valorisation de l'œuvre unique.

Exposez, même quand vous ne vendez pas : vos œuvres rencontrent un public, et leurs images circulent. Il n'y a rien de pire que des œuvres qu'on ne montre pas. Prêtez-les, par exemple à une artothèque, louez-les, troquez-les avec d'autres artistes (une application gratuite y est consacrée), publiez-en les photographies en ligne. Et ne laissez pas une œuvre trop longtemps dans une galerie : exposée un an sans se vendre, elle finit par faire partie du mobilier, et plus personne ne la voit.

Le prix, le marché et ses repères

Le prix n'est pas la valeur de l'œuvre, mais il en influence la perception : c'est un biais de confirmation. Au début des années 2000, à Bordeaux, le chercheur Frédéric Brochet a fait déguster le même vin servi dans une bouteille de grand cru, puis dans une bouteille de vin de table : les dégustateurs l'ont jugé bien meilleur dans la première. Même le champ artistique, qui se méfie du prix, n'y échappe pas : on se demande si l'œuvre « les vaut vraiment ». Prix et valeur artistique sont corrélés sans être proportionnels, et une vente est souvent une tentative de faire coïncider les deux.

Le marché est la rencontre d'une offre et d'une demande, et la valeur de l'offre n'est validée que par l'achat effectif : si vous affichez des prix très élevés sans jamais vendre, la valeur marchande de vos œuvres n'est pas validée. Et comme l'œuvre n'a guère de valeur intrinsèque, sa valeur marchande vient du contexte : un même objet change de prix du tout au tout quand il change d'attribution.

Le marché a donc besoin de confiance et de repères, et chaque milieu a ses marqueurs : pour un peintre animalier, exposer dans un salon de référence du genre dit quelque chose de l'importance de son travail. D'où l'effet de moutonnage : plus on vous achète, plus on vous achètera. Le plus dur est de commencer.

La cote réunit la valeur et le prix. Le mot vient du latin médiéval quota, la quote-part, avec trois sens : cotiser, mesurer, valoriser. C'est l'ensemble de vos ventes, pas seulement un résultat d'enchères ; mais les enchères publient vos résultats dans des bases qui rassurent le marché (voir Faut-il vendre ses œuvres aux enchères ?). Le prix se manie donc avec soin : une hausse trop rapide peut vous bloquer, une remise trop forte abaisse la valeur perçue de l'œuvre, artistique autant qu'économique (voir Négocier et Fixer ses prix).

Les repères ne sont pas que des prix. Des sites et des applications classent les artistes selon leur parcours. Le profil d'une jeune sculptrice, montré pendant le webinaire, l'évaluait sur quatre critères : reconnaissance culturelle, présence géographique, durée de carrière et présence dans les foires, nulle dans son cas. Le webinaire en tirait une synthèse :

• exposer avec d'autres artistes : aux côtés d'un artiste reconnu, votre travail bénéficie d'un transfert symbolique de valeur ;
• exposer dans des foires ou des festivals sélectifs qui existent depuis plus de cinq ans (repère de 2024 ; en 2021, dix ans pour un salon reconnu), comme Art Basel, qui a pris à Paris la place de la FIAC en 2022 ; chaque milieu a les siens ;
• exposer dans des musées et des centres d'art, lieux non marchands qui valident la valeur artistique ; les résidences comptent aussi ;
• être représenté par une galerie qui participe à des foires, un tiers de confiance ;
• exposer hors de sa région, et à l'international ;
• entrer dans une collection publique : l'œuvre entre dans la postérité, et ce pouvoir institutionnel rassure le marché.

L'œuvre existe dans un environnement qui désigne sa valeur. Gilles Deleuze et Félix Guattari l'écrivaient dans L'Anti-Œdipe (1972) : le désir ne porte pas sur des personnes ou des choses, mais sur des milieux tout entiers. On ne désire pas une œuvre pour elle seule, mais par rapport à une démarche, à une époque, à une autre œuvre qu'on a chez soi, ou à une autre personne qui la désire aussi. Prendre ce contexte en compte quand vous diffusez vos œuvres, c'est mieux les valoriser, et rencontrer votre public.

Questions des participants

Faut-il toujours afficher ses prix ? Pour une œuvre à vendre exposée au public, en exposition, en galerie ou à l'atelier, oui : c'est une obligation, prix toutes taxes comprises, sur l'œuvre ou à côté. En ligne, rien n'oblige à publier le prix sur une page, mais il doit être donné précisément à l'acheteur avant la vente (voir Fixer ses prix).

J'ai vendu dans des ventes aux enchères caritatives, mais les bases de résultats ne m'en attribuent aucune. C'est à voir avec la maison de ventes : une vente qui n'est pas publiée ne valorise pas votre travail, alors que la vente aux enchères est justement le moment où la valeur artistique rencontre la valeur économique.

Où trouver les résultats des ventes aux enchères ? Sur des bases comme Artprice ou Artnet, et sur des portails de maisons de ventes comme Interenchères.

Tout cela n'est-il pas évident ? Ce sont des choses qu'on ressent en créant et en exposant. Mais y mettre des mots permet de mieux agir.

Pour aller plus loin

• Pierre Bourdieu, Les Règles de l'art. Genèse et structure du champ littéraire, Seuil, 1992.
• Nathalie Heinich, L'Élite artiste. Excellence et singularité en régime démocratique, Gallimard, 2005.
• Michael Baxandall, L'Œil du Quattrocento. L'usage de la peinture dans l'Italie de la Renaissance, Gallimard, 1985 (Painting and Experience in Fifteenth-Century Italy, 1972).
• Léon Walras, Éléments d'économie politique pure, ou Théorie de la richesse sociale, 1874.
• Gilles Deleuze et Félix Guattari, L'Anti-Œdipe, Minuit, 1972.
• Ministère de la Culture, « Le Panier de fraises de Jean Siméon Chardin reconnu trésor national », 22 avril 2022.
• Légifrance : code général des impôts, annexe III, art. 98 A ; code du patrimoine, art. L111-6.
• Sur ce site : Construire sa trajectoire professionnelle, Faut-il vendre ses œuvres aux enchères ?, Négocier, Produits dérivés, État des lieux des marchés de l'art en 2024.